Маньеризм

Маньеризм — направление в западноевропейском искусстве XVI в., отразившее кризис гуманистической культуры эпохи Возрождения. Маньеристы утверждали неустойчивость, трагические диссонансы бытия, власть иррациональных сил, субъективность искусства. Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, манерной изощренностью формы, а нередко остротой художественных решений.
Мастера эпохи Возрождения и маньеризма создали изделия (серебряные сосуды с многофигурными сценами, подвески с эмалью на рельефе, резные камни и др.), в которых исходные свойства драгоценных материалов отступали на задний план перед стремлением подчеркнуть изысканность обработки.
Представителем маньеризма являлся итальянский скульптор, ювелир и писатель Бенвенуто Челлини (1500-1571 гг.). Он учился у ювелира М. Бандинелли, испытал влияние Микеланджело. Автор виртуозных скульптурных и ювелирных произведений, отмеченных утонченным декорати-визмом, орнаментальностью сложных композиционных мотивов, контрастным сопоставлением изысканных материалов. Одним из замечательных предметов, созданных Челлини, является большая золотая солонка, сделанная в середине XVI в. для короля Франциска I Французского, передавшего для этой цепи Челлини 1000 золотых крон на переплавку.
В своих воспоминаниях Бенвенуто Челлини писал о том, что, увидев солонку, король «от изумления даже что-то воскликнул и долго не мог отвести от нее взгляд». Челлини описывает еще несколько созданных им ювелирных украшений, таких как кольцо для Папы Павла III и застежка для ризы Папы Климента VII. Она представляла собой крупный бриллиант, поддерживающий фигуру Господа, окруженного тремя херувимами.
Бенвенуто смело решал проблемы, рассчитанной на многостороннее обозрение круглой статуи («Персей», бронза, 1545-1554 гг.), отмеченной, как и многие его произведения, дробной измельченностью тщательно выполненных форм.
Как теоретик искусства — написал «Два трактата о ювелирном искусство и скульптуре» (1568 г.).
Всемирную славу Челлини как писателю принесли его напоминающие авантюрный роман мемуары «Жизнь Бенвенуто…» (между 1558-1565 гг., изданные в 1728 г., русский перевод — в 1848 г.).
Другим великолепным примером искусства итальянского Возрождения является ларец из горного хрусталя, вставленный в серебряную позолоченную оправу и покрытый эмалью. Валерио Белли работал над ним в течение двух лет — с 1530 по 1532 г. Теперь ларец хранится во Флорентийском Музее серебра, он стал одним из многих прекрасных предметов, переданных Медичи Папе Клименту VII, могущественному политическому деятелю XVI века.
В императорской сокровищнице Вены хранятся вещи, изготовленные для семьи Габсбургов, в течение шести столетий управлявшей Австрией и другими территориями Европы. Для королевского двора Кристофором Ямнитцером были изготовлены величественный кувшин и чаша. Оба изделия декорированы барельефами, в аллегорической форме изображающими триумф и поражение любви. Дно чаши украшает исполненное в типично ренессанском духе изображение триумфа любви, по краю помещены аллегорические изображения Любви, побеждаемой Целомудрием; Целомудрия, побеждаемого Смертью; Смерти, побеждаемой Славой; Славы, побеждаемой Вечностью. Замысловатое содержание таких аллегорий, как правило, принадлежало самим заказчикам и затруднительно для прочтения современного зрителя.
Аллегорическая символика декора кувшина, представленная в виде сцен из легенды о Петрарке и Лауре, еще сложнее. Основной смысл вкладывается в образ последней, — это не только Любовь и Целомудрие, но и (благодаря имени Санча) — Слава.
— Кувшин, как и прилагающаяся к нему чаша для умывания, изготовлен и украшен изображениями триумфа и поражения любви, характерными для маньеризма конца XVI в.
Основоположником немецкого искусства Возрождения является Альбрехт Дюрер (1471-1528 гг.). Дюрер был одним из универсальных людей эпохи Возрождения живописцем, резчиком по дереву и меди. Во всех ранних работах (1495-1498 гг.) — гравюрах — присутствует современный Дюреру живой человек, нередко крестьянского типа, с характерным, выразительным лицом, одетый в костюм того времени и окруженный точно переданной обстановкой или ландшафтом определенной местности. Большое место уделено бытовым деталям. Здесь впервые обнаруживается интерес Дюрера к обнаженному телу, которое он передает с большим знанием, точно и правдиво, выбирая в первую очередь некрасивое и характерное.
Этими гравюрами открывается блестящая плеяда графических работ Дюрера, одного из величайших мастеров гравюры в мировом искусстве. Художник теперь свободно владеет резцом, применяя острый, угловатый и нервный штрих, с помощью которого создаются извилистые, напряженные контуры, пластически лепится форма, передаются свет и тени, строится пространство. Фактура этих гравюр с их тончайшими переходами серебристых тонов отличается удивительной красотой и разнообразием. Остановимся на двух работах Дюрера, посвященных гравюрам.
Первой крупной работой была серия гравюр на дереве большого формата из пятнадцати листов на тему Апокалипсиса (напечатано в двух изданиях с немецким и латинским текстом в 1498 г.). Это произведение несет в себе сложное сплетение средневековых воззрений с переживаниями, вызванными бурными общественными событиями тех дней. От средневековья в них сохраняются аллегоричность, символизм образов, запутанность сложных богословских понятий, мистическая фантастика; от современности — общее чувство напряженности и борьбы, столкновения духовных и материальных сил. В аллегорические сцены введены образы представителей разных сословий и тревожных переживаний и активного действия. Особенно выделяется знаменитый лист с изображением четырех апокалипсических всадников с луком, мечом, весами и вилами, которые повергли ниц бежавших от них людей — крестьянина, горожанина и императора. Это изображение явно связано с современной Дюреру жизнью, несомненно, что четыре всадника символизируют в представлении художника разрушительные силы — войну, болезни, божественное правосудие и смерть, не щадящие ни простых людей, ни императора.
Эти листы, покрытые причудливым извилистым орнаментом линий, пронизанные горячим темпераментом, захватывают людей яркой образностью и силой фантазии. Чрезвычайно значительны они и своим мастерством. Гравюра поднята здесь на уровень большого монументального искусства.
Второй работой, на которой мы остановимся, являются гравюры, созданные уже зрелым мастером в 1513-1514 гг., знаменующие вершину его творчества. Это три гравюры по меди, знаменитые «Всадник, смерть и дьявол» (1513 г.), «Св. Иероним» и «Меланхолия». Маленький лист станковой гравюры трактуется в этих работах как большое монументальное произведение искусства. Сюжетно эти три гравюры не связаны между собой, но они составляют единую образную цепь, так как тема их одна; все они воплощают образ человеческого разума, каждая — несколько в ином плане.
Первый лист — «Всадник, смерть и дьявол» — подчеркивает волевое начало в человеке. Одетый в кольчугу и шлем, вооруженный мечом и копьем, сильный и спокойный всадник едет на мощном коне, не обращая внимания на уродливого дьявола, который силится удержать его коня, на страшную смерть, показывающую ему символ времени — песочные часы, на то, что под ногами лошади на земле лежит человеческий череп. Поступь коня неудержима и уверенна, лицо человека исполнено воли и внутренней сосредоточенности. «Св. Иероним» воплощает образ ясной человеческой мысли. В комнате, тщательно воспроизводящей обстановку немецкого дома XVI в., за рабочим столом сидит старец с окруженной светлым ореолом головой. Из окна льются солнечные лучи, наполняющие комнату серебристым светом. Царит невозмутимая тишина. На полудремлют укрощенный лев и собака.
Наиболее впечатляющий образ создан в третьей гравюре — прославленной «Меланхолии».
В этом листе сильнее всего выступает символическое начало, давшее повод для самых разнообразных толкований со стороны ученых многих поколений. В настоящее время трудно сказать точно, какой смысл вкладывал Дюрер во все представленные здесь предметы, атрибуты средневековой науки и алхимии, что обозначают многогранник и сфера, весы и колокол, рубанок и зазубренный меч, песочные часы, спящая собака, цифры на доске, пишущий грифелем амур; как толковал художник традиционное для аллегории Меланхолии изображение планеты Сатурн. Но образ модной женщины — крылатого гения, погруженной в глубокое сосредоточенное раздумье, настолько значителен, настолько пронизан ощущением безграничной силы человеческого духа, что все эти детали отодвигаются на второй план, а на первое место выступает гуманистическое начало. Характерно, что внешнее спокойствие этого образа не скрывает за собой внутреннего покоя. Сосредоточенный взгляд Меланхолии, выражающий состояние тяжелого раздумья, беспокойный ритм складок ее одежды, мир фантастических атрибутов, который обступает ее со всех сторон, — все это чрезвычайно типично для эстетики немецкого Возрождения. Только в гравюре «Св. Иероним», где художник создает представление о мире научного мышления, царствует гармония. Человек действия — всадник — показан окруженным опасностями, а размышления крылатого гения исполнены тревоги и скорби. Наиболее сильной стороной этих листов является то, что философское обобщение и символика облечены в них в подлинно реалистические формы. Каждая из гравюр — это не только плод могучего художественного воображения, но и результат пристального изучения натуры. Например, фигура коня в листе «Всадник, смерть и дьявол» возникла на основании натурных зарисовок лошадей и работы над идеальными пропорциями лошади. В этом же листе мы находим тщательно выполненные изображения травы, кустов и почвы. Комната св. Иеронима является великолепной студией с натуры, показывая Дюрера как блестящего художника интерьера и натюрморта, раскрывая его мастерство в передаче света и воздуха. В «Меланхолии» со всей силой воплощается проникновенность его как психолога.